Në një konferencë shtypi përpara hapjes së Bienales, presidenti i saj, Paolo Barrata, vlerësoi shumë kuratorin Aaron Betsky për sugjerimin e motos së vështirë për tu kuptuar 'Atje atje' për ekspozitën arkitektonike që po zhvillohet tani në Venecia - arkitektura më përfaqësuese ekspozitë në botë. Arkitektura përtej ndërtimit '. Sipas Barrata, kjo temë është shumëplanëshe, kuptimplote dhe e frytshme. Ajo provokon kërkime krijuese dhe për këtë arsye bienales aktuale arkitekturore është ndoshta më e mira në dhjetë vitet e fundit. Kuratori Aaron Betsky e pranoi komplimentin në mënyrë të favorshme - pas së cilës ai duhej t'u përgjigjej pyetjeve të gazetarëve për një kohë të gjatë, duke shpjeguar se në fakt ai i do ndërtesat dhe nuk kishte ndërmend ta shndërronte bienalen arkitektonike në një degë të Bienales së Artit Bashkëkohor gjithashtu se ai nuk është aspak utopik, nuk rri pezull në re dhe ëndrrat bëhen realitet.
Pra, tema e vendosur nga Betsky për sa i përket paqartësisë duket se i ka tejkaluar të gjitha ekspozitat e mëparshme. Për më tepër, mund të përkthehet në mënyra të ndryshme - ose "jashtë", ose "para", ose "mbi". Një fjalë tjetër ‘përtej’, e ngjitur tani në të gjithë Venecian (sidomos shumë në pavijonin italian) është përkthyer si “jeta e përtejme”. Kjo i bën jehonë papritur faktit që kuratori i Bienales i ka përcaktuar ndërtesat si "varre të arkitekturës" - arkitektura, për mendimin e tij, është një mënyrë e të menduarit për ndërtesat, dhe kur ato ndërtohen, ajo vdes. Në Venecia, një qytet muze që fundoset në heshtje nën ujë, kjo tingëllon veçanërisht qetësuese dhe, dashur pa dashur, ju bën të mbani mend qytetin rus të Kitezh.
Sidoqoftë, detyra e kuratorit duhet kuptuar saktësisht e kundërta - ai, natyrisht, nuk donte ta vriste arkitekturën, por ta ringjallte atë (dhe ekspozitën) në mënyrën e zakonshme - duke dalë përtej kornizës së vetë botës arkitektonike në kërkim të rinovimit. Aaron Betsky inkurajoi pjesëmarrësit në Bienale të eksperimentojnë, duke iu drejtuar fushave të kinemasë, artit, dizajnit, arkitekturës së peizazhit dhe performancës. Eksperimentet, tha ai, mund të marrin formën e strukturave të përkohshme, si dhe imazhe "ndonjëherë të errëta".
Kjo e fundit duket se është një pjesë e rëndësishme e konceptit të Betsky. Pasiguria është kaos dhe nga kaosi diçka e re supozohet të lindë. Supozoni se ëndrra kryesore e çdo kritiku dhe teoricieni nuk është vetëm të përshkruajë procesin e vëzhguar, por edhe të ndikojë në të. Kur kjo të ndodhë, në art shfaqen tendenca shumë të fuqishme, të bazuara teorikisht. Kthimi në arkitekturë, është e lehtë të vërehet se pas entuziazmit për shfaqjen e arkitekturës jolineare në vitet e fundit, asgjë e veçantë nuk ka ndodhur në të, ngecja është përshkruar. Bienalja është ekspozita arkitekturore më me ndikim dhe nuk është për t'u habitur që me ndihmën e saj Betsky bëri përpjekjen e tij për të "zgjuar" arkitekturën moderne, për të krijuar kaos, nga i cili pritet të dalë diçka e re. Sidoqoftë, kaosi mund të jetë i ndryshëm - prodhues dhe shkatërrues, kaos gjenerimi dhe shkatërrimi (ndonjëherë, sidoqoftë, njëri zhvillohet në tjetrin). Kaosi mund të jetë gjithashtu natyral, me origjinë nga shkaqe natyrore, dhe nganjëherë është artificial, dhe duket se kaosi që kuratori u përpoq të krijonte në Bienalen e tij është thjesht artificial. Por nëse ai është produktiv apo jo - do të jetë e mundur vetëm me kohën për ta kuptuar. Nëse në atë mënyrë për dhjetë vjet kjo Bienale do të referohet si një moment historik - atëherë ideja, pa dyshim, ishte një sukses. Nëse jo, atëherë dështoi.
Në ndërkohë, ne mund të drejtohemi vetëm nga emocionet. Pavioni i Italisë, i përkushtuar tërësisht arkitekturës eksperimentale, të jep përshtypjen e një kaosi të mërzitshëm. Ka shumë ekspozita (55), të ngopura me tekste dhe fotografi të vogla, të cilat ndërthuren herë pas here me modele dhe instalime - së bashku e gjithë kjo shkrihet në një masë që është e vështirë për perceptim edhe sepse tekstet janë shumë misterioze në vende - me sa duket, për për hir të arritjes së vetë "paqartësive ndonjëherë". Për të zbehur shumëllojshmërinë e eksperimenteve të të rinjve, si dhe për të treguar sesi saktësisht duhet eksperimentuar, mes tyre u vendosën sallat e "yjeve" të nderuar me nëntitullin "Mjeshtrat e Eksperimentit". Në njërën prej tyre është një pikturë nga Zaha Hadid, e cila është vërtet shumë e ngjashme me avangardën e viteve 20, por vetëm pak më zbukuruese dhe për këtë arsye e bukur - edhe pse pranë këtyre pikturave, një qilim i bërë sipas motiveve të saj duket shumë e përshtatshme në dysheme. Në tjetrin, ka doodle nga Frank Gehry, i cili mori Luanin e Artë këtë vit për "kontributin e tij në jetë". Doodles - përkthyer si "shkarravitje", ajo që vizatohet në mënyrë të pavullnetshme, por në këtë rast gjithashtu ajo që është formuar, palosur, rrudhur me shkallë të ndryshme të pavullnetit - prototipat e arkitekturës së Gehry - e cila, kështu, ka lindur nga Doodles. Por më e dukshmja nga të gjitha është instalimi nga Herzog & De Meuron, i bërë në bashkëpunim me artistin kinez Ai Weiwei: salla e gjerë në hyrje të pavijonit është tërësisht e zënë nga një strukturë e shtyllave të gjata të bambusë, të cilave u bashkangjiten bambu karrige, kështu që varen në ajër. Doli mjaft e ajrosur dhe shumë misterioze.
Ekspozita në Arsenal, ku Betsky vendosi instalimet e personave të famshëm që ai ftoi, krijon një ndjenjë kaosi, aspak i mërzitshëm, por i fuqishëm, shumë ekspresiv, i zymtë dhe i frikshëm. Ndoshta kjo është për shkak se hapësira Corderi në vetvete është e madhe dhe e errët, kolonat e trasha të rrumbullakëta ngjajnë me një katedrale romanike të bërë në mënyrë të vrazhdë, por Corderi është më e gjatë se katedralja, dhe ndryshimi i sallave në një moment duket i pafund. Dhe instalimet janë të mëdha, ato janë gdhendur në një shkallë të madhe në këtë hapësirë, duke marrë hua prej saj shkallën dhe qëllimin. "Yjet" nuk u ftuan më kot, secili punoi në mënyrë profesionale, instalimet janë solide, të njohura dhe të ndritshme - Corderi u kthye në një seri imazhesh - në një tërheqje ekspozite. Kjo është e mirë për ekspozitën, por jo shumë e mirë për qëllimin e kuratorit, sepse midis manifesteve të Bienales aktuale mendoi se arkitektura-tërheqja nuk është shumë e mirë, dhe arkitektura duhet të mendojë se si të na bëjë të ndihemi sikur jemi në kjo botë "si në shtëpi". Kjo ide - për "të qenit në shtëpi" - përsëritet shumë herë në tekstet e Betsky dhe duket se është një nga ato kryesore. Por instalimet e yjeve në asnjë mënyrë nuk evokojnë "ndjenjat e shtëpisë", por më shumë gjenerojnë ankth.
Një problem tjetër është njohja. Dikur në Arsenal, yjet nuk eksperimentuan në kërkim të imazheve të paqarta të diçkaje të re ose të ndryshme, por përkundrazi - secili tregoi se mundet. Imazhet mund të jenë të paqarta diku, por kuptimi i tyre duket disi i njëjtë - e gjithë kjo është një përmbledhje e koncepteve krijuese, rezultati, jo fillimi, e kaluara, jo e ardhmja. Frank Gehry është shumë i njohur: ai ndërtoi një fragment të fasadës, të ngjashëm me Bilbao, nga druri dhe balta. Sipërfaqet konkave janë veshur gradualisht me argjilë, ato thahen dhe çahen. Kjo është bërë ngadalë, deri në fund të Bienales në nëntor, e gjithë "fasada" do të jetë e veshur me argjilë: kështu instalimi paraqet tiparet e performancës, e cila është dinamike, por pamja është përsëri e kthyer - duke parë këtë performancë, ju e mbani mend Bilbao dhe gjithçka duket e madhe dhe një stendë spektakolare e ekspozitës e krijuar për të shfaqur pjesën më të dukshme të portofolit të Gehry. E njëjta gjë ndodh me Zaha Hadid - ajo instaloi formën e saj të ardhshme të lëngut në Arsenal, për të cilën është shkruar në shpjegim se ajo është prototipi i mobiljeve. Por Zaha Hadid ka qenë duke dizajnuar mobilje të tilla të pamundura për një kohë të gjatë. Një objekt i ngjashëm u instalua nga Zaha brenda Villa Foscari për nder të 500 vjetorit të Andrea Palladio; por çfarë është interesante - brenda Palladio-s ose në Arsenal - gjëra shumë të ngjashme, kështu që çfarë kuptimi ka? Greg Lynn shtoi pak humor - duke bërë mobilje gjithashtu, por nga "lodrat e ricikluara". Lodrat dolën të ishin skulptura të ndritshme, të cilat, duhet të them, zunë hapësirën më të vogël - për ta juria dha "Luanin e Artë".
Përveç sa më sipër, ka shumë imazhe mbresëlënëse në Arsenal. Instalimi prej karamel prej dantelle nga Matthew Ritchie dhe Aranda Lush "Evening Line" duket bukur. Ai përbëhet tërësisht nga zbukurime - pjesërisht i gdhendur nga metali, pjesërisht i përbërë nga hije dhe video projeksion, i gdhendur në një model metali në mur. Çfarë do të thotë kjo është e paqartë (cili ishte qëllimi?), Por duket joshëse dhe e rëndësishme - tani arkitektët i duan stolitë. Unstudio vendosi në Corderi një objekt voluminoz me madhësinë e një dhome të vogël, të lakuar si një shirit Mobius - ky objekt shquhet për faktin se mund të futet brenda. Përkundrazi, objekti i familjes Fuchsas përshkruhet nga një vijë e verdhë, e cila rekomandohet të mos kalohet (të cilën askush nuk e vëren): këto janë dy furgonë gjelbër gjigandë me dritare të vogla përmes të cilave mund të shihni skena të përditshme në stereo formati i kinemasë. Tregtari dhe Scorfidio u sollën shumë lehtë - instalimi i tyre krahason videot me dy Venecia - një amerikan i vërtetë dhe një lodër nga Las Vegas. Uncleshtë e paqartë se si kjo zbulon temën Betsky, por në Venecia duket shumë mirë dhe karriget janë vazhdimisht të zëna. Barkow Leibinger ndërtoi një "kopsht nomad" nga tubat prej metali të prerë me lazer - për shkak të homogjenitetit të materialit dhe thjeshtësisë së zgjidhjes, për mendimin tim, ky është një nga instalimet e dukshme të Arsenalit. Por Philip Rahm tërhoqi vëmendjen për instalimin e tij nga fakti se në ditët e para të ekspozitës (nuk e di se si më vonë) ishin dy njerëz të zhveshur që rrinin mbështetur atje, dhe pranë tyre, katër njerëz të veshur hipishly po luanin një lloj muzikë kitare: projekti i kushtohet ngrohjes globale, por a po vijon këtu? Nga lakuriqësia?
Pra, pjesa e ekspozitës, e krijuar për t'iu përgjigjur thirrjes së kuratorit, përbëhet nga 55 ekspozita të vogla në pavijonin italian dhe 23 instalime të mëdha në Arsenal. Të gjithë së bashku ato shtohen në një përpjekje për të zgjuar arkitektët - nga praktika tregtare në fantazitë "prej letre" - për hir të rinovimit, një kthesë, në përgjithësi, lindjes së diçkaje të re. Pavioni i Italisë përfaqëson, sipas kuratorit, si të kaluarën ashtu edhe të ardhmen e këtij procesi: ekspozitat për të rinjtë - shpresa për të ardhmen, ekspozitat retrospektive të mjeshtrave - një lloj libri shkollor se si të eksperimentosh. E gjithë kjo plotësohet me artikullin e Bezki mbi historinë e eksperimentimit modernist të pasluftës - origjina e tij kuratori gjurmon në krizën politike të 1968 dhe krizën energjetike të 1973. Becki emëron emra, ndërton një histori dhe fton arkitektët e rinj ta vazhdojnë atë. Nga ana tjetër, ekspozita e Arsenalit bën të njëjtën thirrje për eksperimentim te mjeshtrat e nderuar - në teori, i gjithë bashkësia arkitektonike duhet si rezultat të përfshihet në procesin e krijimit të "shkarravinave" - nga e cila një shpërthim i ri mendimi, kthesë e re, do të ndodhte më pas. Po çfarë po ndodh? Ekspozita e të rinjve doli të ishte e cekët dhe e mbingopur (edhe pse, nëse dëshironi, ju mund të shihni gjëra interesante në të) - dhe "ylli", në vend të dinamikës dhe risisë, riprodhoi teknikat e vetë "yjeve". Impulsi për të injektuar artificialisht kaosin krijues në arkitekturë duket se ka dështuar. Mbase sepse është artificial? Megjithëse - siç është thënë tashmë - vetëm pas dhjetë vjetësh do të bëhet përfundimisht e qartë nëse kjo përpjekje ka dhënë të paktën disa fryte dhe nëse ka çuar në një kthesë. Në ndërkohë, duke parë ekspozimin, duket e pamundur.
Por këtu është gjëja e çuditshme. Uncleshtë e paqartë nëse Betsky i zgjoi arkitektët. Por forcat natyrore, duhet menduar, u zgjuan. Ishte e lehtë të vërehej që ceremonia e hapjes së Bienales, kuratori i së cilës në manifestin e tij deklaroi se nuk është gjëja më e rëndësishme në botën tonë për të mbrojtur veten nga shiu, ra në një shi të tillë që rrallë ndodh në Venecia. Për shkak të këtij shiu, hapja duhej zhvendosur nga Giardini në Arsenal - dhe një turmë gazetarësh të lagur dhe të ngrirë qëndronin përpara hyrjes. Por kjo ende nuk do të ishte asgjë. Në fund të fundit, duke argumentuar për rëndësinë e problemeve ekonomike dhe të tjera për zhvillimin e mendimit konceptual, kuratori i Bienales aktuale, me sa duket, jo vetëm se shiu, por edhe kriza u shua. Kriza është e qartë. Ne jemi duke pritur për eksperimente.
Botanistë dhe nomadë
Ndërsa interpretonte temën e tij të hutuar për publikun dhe pjesëmarrësit e Bienales, kuratori Aaron Betsky foli kryesisht në mënyrë apofatike, domethënë nga e kundërta. Jo një ndërtesë, sepse është një varr shpresash njerëzore dhe burimesh natyrore, jo një utopi apo një zgjidhje abstrakte e problemeve shoqërore - por imazhe dhe gjëegjëza për të ëndërruar. Ai bëri thirrje për të shkuar përtej ndërtimit dhe arkitekturës si një disiplinë - dhe për të eksperimentuar. Por ai nuk tha saktësisht se ku të shkonte, duke ruajtur misterin enigmatik.
Të gjithë reaguan ndaj këtij misteri në mënyra të ndryshme, me kinema, dizajn dhe mobilje. Shumë kritikë e konsideruan Bienalen e Arkitekturës shumë të ngjashme me Bienalen e Artit Bashkëkohor dhe kështu e humbën specifikën e saj profesionale. Pasi të keni kaluar përtej kornizës, jo vetëm që mund të fitoni, por edhe të humbni - kjo, në përgjithësi, është një profesion i mrekullueshëm, por edhe i rrezikshëm - për të kapërcyer kufijtë.
Sidoqoftë, mënyra më e qartë për t'iu përgjigjur temës doli të ishte më e drejta: thjesht dilni nga ndërtesa. Do të ishte kurioze nëse sallat e ekspozitave do të liheshin bosh, dhe ekspozitat do të thyheshin jashtë, por Bienalja ende nuk do të arrinte një shkallë të tillë të literalizmit. Sidoqoftë, për sa i përket arratisjes nga arkitektura në natyrë dhe ndërtimit atje, jashtë, të "strukturave të përkohshme" të ndryshme, arkitektët mund t'i drejtohen përvojës së pasur të banorëve të verës Sovjetike - ata gjithashtu u larguan nga rënia e modernizmit dhe, pasi kishin shpëtuar, lart një kopsht perimesh.
Kopshti më i madh i perimeve në Bienale u ndërtua nga Gustafsons. Një pjesë e bimësisë së egër të kopshtit të Virgjëreshave të mbuluara me lianas, e vendosur në buzë të Arsenalit, në vendin e një manastiri të shkatërruar Benediktin - u kultivua nga projekti Britaniko-Amerikan "përmes Parajsës" (drejt parajsës). Lakra, qepët dhe kopra (simbolet e ngopjes) janë të ndërthurura me lule, në qendër të përbërjes ka një kodër që lakohet si një kërmill, i mbuluar me bar të pastër. Kërmilli barishtor është menduar të jetë një vend për të parë, me jastëkët e ulëseve të vendosura në të, por në një ditë me shi të hapjes, vetëm topa të bardha vareshin mbi lëndinën kodrinore. Më tej, në kishëzën e vjetër (apo kishën?), Qirinjtë vendosen në rafte përgjatë mureve, dhe emrat latinë të kafshëve dhe bimëve të zhdukura janë shkruar në mure (ka mjaft). Duhet pranuar që ky projekt peisazhi është më ambiciozi në Bienale. Për hir të tij, ata madje prenë disa pemë të vjetra, gjë që nuk është e mirëpritur në Venecia.
Nga rruga, tema e Parajsës përshtatet mirë në kuratorin ‘atje jashtë’ dhe ‘përtej’ - nuk ka asgjë më të botës tjetër se Parajsa. Isshtë zbuluar në mënyrën e vet në pavijonin gjerman: mollët rriten në degë të mbërthyer në tenxhere, pikatore me lëng të gjelbër janë bashkangjitur në degë. Nuk shpjegohet nëse vetë frutat u rritën në copa të holla dhe si u arrit kjo nuk shpjegohet, por ekspozimi simbolik shoqërohet me argumentin se njerëzit, duke u përpjekur të krijojnë një parajsë në tokë për veten e tyre, po shkatërrojnë ekosistemet e tëra për hir të këtij parajsa teknogjene. Mollët nën pikatore me siguri duhet të përfaqësojnë një parajsë të bërë nga njeriu.
Pavioni i Japonisë është i rrethuar me lule, të vendosura brenda strukturave të përkohshme që i ngjajnë kontureve të kullave të ndërthurura me gjelbërim. Këto janë skema të ndërtesave shumëkatëshe të banuara nga bimësia - ato janë përshkruar gjithashtu brenda pavijonit në mure me laps. Përveç vizatimeve, nuk ka asgjë tjetër në pavijon - është krejtësisht e bardhë, si një lloj fletë letre e futur në brendësi. Shumë njerëz e pëlqyen këtë pavijon lakonik dhe soditës në një mënyrë sintetike.
Kopshti perimesh amerikan është më i vogël dhe jo aq i thellë, por shoqëror - i kushtohet, në veçanti, rritjes së fëmijëve përmes kopshtarisë (ky lloj arsimi praktikohet tani në shumë manastire në vendin tonë). Amerikanët fshehën dorikën perandorake të fasadës pas një rrjete të tejdukshme, ngritën një kopsht perimesh përpara kolonadës dhe mbushën pavijonin me të gjitha llojet e projekteve shoqërore. Një ‘ekotopedi’ shumë serioze dhe e larmishme, një enciklopedi e problemeve mjedisore, është vendosur në pavijonin danez.
Tema mjedisore është gjithashtu e popullarizuar në mesin e projekteve eksperimentale në pavijonin italian. Sidoqoftë, idetë janë kryesisht të njohura: qytete të gjelbërta, ku ka një pyll poshtë, dhe teknologji dhe civilizim "në nivelin e dytë" dhe rrokaqiej të gjelbërt, prej të cilëve njëri është veçanërisht i dukshëm - Julien de Smedta, një projekt i destinuar për kinezët qyteti i Shenzhen, i vendosur në territorin përballë Hong Kongut. Ky është një rrokaqiell gjigant, i banuar në mënyrë të barabartë nga njerëz dhe gjelbërim, i cili, sipas autorëve, duhet të zëvendësojë malet me pyje që janë zhdukur në këtë zonë, duke u bërë një mal i madh i bërë nga njeriu. Pavarësisht se çfarë thotë i mençuri nga Cincinnati për përfitimet e frymëzimeve të paqarta, një projekt i vërtetë duket shumë i favorshëm në sfondin e tyre.
Një mënyrë tjetër për të shpëtuar "nga ndërtesa" është të shkosh në kasolle. Çuditërisht, ai nuk është shumë popullor, por është afër nesh në shpirt. "Kasollja" kryesore në formën e një yurt u ndërtua në argjinaturë të Arsenalit nga Totan Kuzembaev dhe u vendos brenda një makine të vogël. Çështja është që të kombinohen aksesorët nomadë të dy kulturave - antike dhe moderne. Nga civilizimi modern, brenda jurit ka pajisje të ndryshme teknike, telefona celularë, laptopë, etj., Të përdorura jo për qëllimin e synuar, por si atribute të një shamani. Për të mbijetuar në botën moderne - shkruan Totan Kuzembaev në shpjegimin për "Nomad", ju duhet të përshtateni. Dhe atëherë ose do të dalë diçka e re, ose globalizmi do të gëlltisë gjithçka, e cila do të jetë e trishtuar - përfundon ai.
Nga ana tjetër, midis Arsenalit dhe parajsës së Gustafson, arkitektët kinezë ndërtuan disa shtëpi të ndryshme - të bëra me kuti, kompensatë, dërrasë të fortë - shtëpitë janë të mëdha, trekatëshe, por brenda saj është e pakëndshme dhe e ngushtë, si në një tren. Kasolli me pjergull i ndërtuar nga Nikolai Polissky në tarracën e pavijonit rus gjithashtu përshtatet në të njëjtën rresht - një strukturë e bukur, por, për fat të keq, jo shumë e dukshme për shkak të faktit se ajo është e vendosur në anën e lagunës.
Ekziston edhe një mënyrë më abstrakte e largimit - për shembull, nga forma në tingull dhe video. Këtu është një pavijon i bukur dhe plotësisht jarkitektural i Greqisë, i përbërë nga piedestale interaktive me monitorë dhe kufje me tingujt e qytetit. Darkshtë e errët me fije të ndezura plastike të varura.
Dhe së fundmi, ju mund të largoheni nga arkitektura duke zbrazur pavijonin - kjo u bë në pavijonin në Belgjikë, ku konfeti shumëngjyrëshe është shpërndarë në dysheme ("Pas Partisë"), ose në Çekosllovaki, ku ka frigoriferë qesharakë me ushqim grupe për personazhe të ndryshëm.
Shumica e pjesëmarrësve e interpretuan me zell temën, por ka edhe fronder - ata që, në kundërshtim me moton, ende treguan ndërtesat. Mbi të gjitha, pavionet kombëtare nuk kanë pse të ndjekin temën. I madh është pavijoni i Mbretërisë së Bashkuar, ku një ekspozitë e shtrenjtë, e hartuar me kujdes u kushtohet pesë arkitektëve që ndërtojnë shtëpi në qytetet britanike. Rezulton se tani në Britani - atdheu i qytetit kopsht dhe llojeve të reja të banesave në fillim të shekullit 20 - gjithnjë e më pak shtëpi po ndërtohen. Pavioni i Francës është i mbushur me shumë modele: secili prej tyre vendoset në një kuti plastike transparente dhe ngjitet në mur me një tastierë të lëvizshme - ju mund t'i shtrembëroni modelet ndërsa i shikoni. Arkitektura e Spanjës gjithashtu tregohet me shumë detaje dhe tradicionalisht - me fotografi dhe modele. Për herë të parë në shumë vite, kjo rresht përfshin pavijonin rus, për të cilin - pak më vonë.
Rusët në Venecia
Ndodhi që mes njerëzve me të cilët isha në gjendje të flisja në Venecia, gazetarët e vlerësuan konceptin e Aaron Betsky kryesisht pozitivisht, ndërsa arkitektët kryesisht negativisht. Ka, natyrisht, përjashtime, por në tërësi është e qartë - arkitektët vijnë në Venecia për të parë arkitekturën dhe mungesa e saj pothuajse e plotë nuk ishte befasia më e këndshme për ta.
Në pavijonin rus, gjithçka ndodhi anasjelltas: nuk tregohen providenca të paqarta, por ndërtesa, shumë ndërtesa. Më parë, kur projektet dhe realizimet ekspozoheshin në Bienale, instalimet u rregulluan në pavijonin rus dhe tani, kur më në fund u vendos që të tregohej arkitektura e vërtetë, Aaron Betsky formuloi "detyrën" e kundërt. Sidoqoftë, tema nuk është e detyrueshme për pavijonin kombëtar … A duhet ta kishim hedhur poshtë idenë për herë të parë për të treguar një copë arkitekture të vërtetë ruse dhe për t'iu përshtatur motos? Vështirë të thuhet. Por, duke folur në mënyrë rigoroze, është e qartë se tema e vendosur nga Betsky për Bienalen korrespondon me situatën e një mërzie dhe ngopje të caktuar me "yje" që është zhvilluar në arkitekturën e botës. Dhe tema, e vendosur nga kuratori i pavijonit rus, Grigory Revzin, është në përputhje me situatën e bumit të ndërtimit në Rusi. Dhe ekspozita paraqet mjaft saktë një pamje të arkitekturës ruse sot. Përfshirë karakteristikën e larmisë dhe grumbullimit të tij, rritjen aktive, jetësore dhe jo shumë të kontrolluar të ndërtesave të ndryshme.
Ekspozita përbëhet nga dy pjesë. Kati i sipërm është i zënë nga projekte dhe ndërtesa moderne - ka tre salla, njëra kryesore dhe dy të tjera. Projektuesit Vlad Savinkin dhe Vladimir Kuzmin i vendosën ato në tre ngjyra të ndryshme: salla e parë, e cila shfaq katalogun elektronik, është e bardhë, salla e tretë - përmban zhvillues, është e zezë dhe salla kryesore, qendrore është e kuqe. Dyshemeja e saj është e veshur me qeliza shahu, ato të kuqe janë ndërtesat e arkitektëve rusë, ato të bardha janë modelet e bëra sipas modeleve të të huajve që ndërtojnë në Rusi. Sipas idesë së kuratorit, midis modeleve të rusëve dhe të huajve, zhvillohet një lojë e kushtëzuar shahu - duke theksuar temën e konkurrencës midis arkitektëve "vendas" dhe "të huaj".
Pjesa e dytë e ekspozitës janë strukturat prej druri të Nikolai Polissky, jo ende arkitekturë, por, siç përcaktohet nga kuratori i pavijonit rus, Grigory Revzin, një shprehje e ëndrrës së peizazhit rus. Punimet e Polissky përshkojnë pavijonin rus - në sallën në katin e parë ata formojnë një pyll të holluar nga copa drite. Në të njëjtin vend, në sallën tjetër, shfaqen punimet kryesore të Polissky dhe - video - procesi i krijimit të tyre nga forcat e një ekipi të mirë-koordinuar të banorëve të fshatit Nikolo-Lenivets. Bazuar në katin e parë, strukturat e Polissky vazhdojnë të rriten kudo - në formën e një harku të improvizuar përpara hyrjes, pjergullave në tarracë (e ashtuquajtur 'përtej ndërtesës') dhe madje edhe këmbët në tryezë në sallën e zhvilluesit janë të bëra nga të njëjtat trungje të shtrembër.
Duhet pranuar që modelet e Nikolai Polissky ndryshojnë dukshëm nga projektet e tjera të peizazhit të Bienales, dhe jo vetëm nga fakti se atyre u mungon plotësisht tema "parajsë" e një kopshti-kopshti dhe materiali është i egër, natyral, mezi pastrohet. Ato janë shumë më afër natyrës sesa projektet ekologjike, të cilat, në fakt, i përkasin një shkalle më të madhe botës së teknologjisë. "Pylli" i Polissky është pak i egër dhe i frikshëm, edhe pse brenda pavijonit i mungon shkalla - nuk ka ku të kthehet. Por duhet ta kuptoni që ky është një pyll "eksporti", një xhuxh në turne. Në Nikolo-Lenivets, projektet e peisazhit të Polissky janë më të mëdha dhe më jetike.
Këtë vit rusët morën pjesë në të gjitha pjesët kryesore të Bienales. Totan Kuzembaev, i cili kohët e fundit fitoi vendin e dytë në konkursin për një urë përtej Kanalit të Madh Venecian, u ftua nga Aaron Betsky për të marrë pjesë në ekspozitën kuratoriale të Arsenalit dhe ndërtoi yurtin e përmendur tashmë në rrugën para tij. Boris Bernasconi, i cili së fundmi ndau vendin e parë në konkursin ndërkombëtar për Muzeun e Artit Perm me Valerio Olgiati, u ftua të kuronte ekspozitën në pavijonin Italian - dhe e përdori këtë ftesë për të luftuar kundër projektit Portokalli të Norman Foster. Duhet të them se Aaron Betsky në konferencën e tij për shtyp përmendi veçmas projektin e Bernasconi dhe e vlerësoi atë shumë në kuptimin që arkitekti i ri guxoi të protestonte kundër vetë Foster.
Pasi arrita në Venecia, ekspozita e Spitalit të Maternitetit (kuruar nga Yuri Avvakumov dhe Yuri Grigoryan) u shndërrua në një projekt shumë të bukur. Ekspozita u shfaq për herë të parë në Moskë në galerinë VKHUTEMAS, më pas në Shën Petersburg. Duhet të them se në Bienale ekspozita, e cila ishte shpikur një vit më parë, doli të ishte shumë e dobishme: ajo përbëhet nga embrione skulpturore të arkitekturës, interpretime të temës së lindjes, prodhuar nga arkitektë, midis të cilëve ka shumë rusë, por shumë të huaj. Unë madje do të guxoja të sugjeroja që këtu ideja kryesore e Betsky-t shprehet, nëse jo më saktësisht, atëherë më shkurt se në Arsenal. E vendosur në Kishën Veneciane të San Stae, ekspozita ka transformuar ndjeshëm: të gjitha ekspozitat u vendosën në qelizat brenda mureve të një shtëpie kartoni me mure të shpuara. Kjo ndërtesë krahasohet me një shenjtore kishash dhe në të njëjtën kohë një skenë lindjeje. Evolucioni i ekspozitës duket të jetë shumë logjik. Për më tepër, duket se vetë Venecia luajti një rol këtu - një qytet në të cilin pothuajse çdo mur mbart një rast ikone me një ikonë skulpturore. Nga ajo që qyteti duket se është shenjtëruar në tërësi - një cilësi që tashmë është humbur nga qytete të tjera evropiane - dhe madje edhe "Spitali i Maternitetit" brutal këtu shndërrohet në një skenë lindjeje të Krishtlindjeve. Venecia është një qytet i mrekullueshëm.
