Një ekspozitë me grafikë arkitektonikë "Vetëm Italia!" Openshtë e hapur për publikun në Ndërtesën e Inxhinierisë të Galerisë Tretyakov. Gjysma e ekspozitës përbëhet nga gjërat nga koleksioni i Fondacionit Sergei Tchoban, gjysma - vizatime nga Galeria Shtetërore Tretyakov dhe disa më shumë - puna e katër artistëve-arkitektëve bashkëkohorë: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov dhe Sergei Tchoban.
Ekspozita është absolutisht e mahnitshme për shumë arsye. Para së gjithash, grafika arkitektonike me cilësi të lartë është një material që disponon me veten. Të shqyrtosh atë nga një fletë në tjetrën, të shqyrtosh në detaje kaçurrelat, hijet, personelin, rendin është një kënaqësi e përsosur.
Nga ana tjetër, nuk mund të thuhet se arkitektët shpesh shfaqen në Galerinë Tretyakov. Pothuajse asnjëherë nuk shfaqen atje. Dhe këtu - ekspozita bashkoi jo vetëm gjërat nga depot e galerisë, ato që kanë pak mundësi të shfaqen në një kohë tjetër, me fletët nga koleksioni i fondit Tchoban të ruajtura në Berlin. Në qendër të gjithçkaje, si kurora e krijimit, janë vizatimet e arkitektëve modernë.
Projektimi i ekspozitës i përket zyrës së SPEECH dhe Sergei Tchoban, i cili rregulloi punimet e bashkëkohësve të tij (përfshirë edhe të tijin) në një sallë të vogël rotunda; në galerinë që e rrethon, janë ekspozuar grafikë të shekullit XX; në një distancë, në dy hapësira të tjera drejtkëndëshe, janë ekspozuar fletët e shekujve 18 - 19, të ndara në dy blloqe: "Lindja e një teme" dhe "Rossika" (vepra nga të huaj në Rusi). Kështu, kronologjia ndryshon në qarqe në hapësirën e ekspozitës, ose, më saktësisht, konvergjon nga e kaluara në të tashmen: diçka si rrathë mbi ujë, vetëm e kundërta.
Duhet të theksohet se FJALA zhvillon në mënyrë të vazhdueshme motivin e sallës së rrumbullakët në punën e saj me modelin e ekspozitës: mjafton të kujtojmë ekspozitën "Muzeu i Grafikëve" në ArchMoscow në 2013 (kur Muzeu i Grafikëve të Berlinit ende nuk ishte i hapur), ose dy modele të ekspozitës së pavijonit rus në bienalen veneciane të arkitekturës: diorama piktoreske e qytetit të Vyshny Volochok në 2010 dhe "Panteoni" nga kodet QR 2012, kohët e fundit
rikrijuar në Zaryadye. Sallat e rrumbullakëta janë mjaft të rralla në hartimin e ekspozitave moderne - hapësira e rrotullës nuk është shumë e përshtatshme për tu ekspozuar, pasi tenton të mbingarkojë ekspozitat dhe të duket më e rëndësishme dhe e vlefshme në vetvete. Shtë një tempull, jo një muze, një vend përqendrimi apo edhe një shërbim.
Kjo cilësi e raundit theksohet dhe përdoret në varje. Grafika e Kohës së Re ekspozohet në përputhje me të gjitha rregullat e ekspozimit muzeal dhe me respektin e duhur. Në hapësirën rrotulluese në të majtë, fleta grafike pushon së qeni e vetëvlerësuar, duke u bërë një pjesë vartëse e komplotit hapësinor. Fletët e Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban janë të varura në dy rreshta, pa i kushtuar vëmendje secilës vepër individuale si një vlerë muze (grafikët e shekullit të 20-të në galerinë rrethore shërbejnë si një tranzicion, vetë rrotullimi tashmë heq muzeun ashpërsia).
Kuptimi i deklaratës është mjaft i qartë. Grafika moderne nuk është një ekspozitë këtu, por përkundrazi është një deklaratë e vetë faktit të ekzistencës së saj - misioni i vazhdimit dhe ringjalljes së traditës së vizatimit klasik. Isshtë pjesë e një tempulli imagjinar të arteve, ndërsa koleksioni historik është diçka si sakristi i saj, një depo e ekzemplarëve të vlefshëm.
Shtë karakteristike që deklarata e brendshme plastike, e cila interpreton në mënyrë kaq delikate përmbajtjen e ekspozitës, mbetet brenda kornizës së gjuhës së klasikëve. Plotësisht pa porosi, por detajet dhe përvojat hapësinore i shtohen sallës së rrumbullakët nga fletët aktuale grafike. Ato janë arkitektura e tij e kaluar. Merrni parasysh, për shembull, anën e rrumbullakët të Panteonit, të artikuluar nga një bazament i tërhequr mjeshtërisht i harqeve shkarkues: "panteoni në panteon" vazhdon lojën e filluar më tej, tashmë në një hapësirë imagjinare prapa planit të fletës grafike.
Për atë që u tha, mbetet të shtojmë se ekspozita, duke filluar me "themeluesit" e shekullit të 18-të, hulumton më tej traditën specifikisht ruse për të admiruar Italinë, dhe më afër datës 21 rezulton se kjo traditë ka fituar këtu disa karakteristika krejtësisht të veçanta, jo pa një notë admirimi dhe, në një kuptim të mirë, fiksim, i cili kapet me aq hollësi nga forma tempullore e sallës. Askush nuk e pohon studimin e antikave aq sinqerisht sa Maksim Atajants; askush nuk mendon se arkitektura e tij ka lindur nga një peizazh me akuarel, si Mikhail Filippov; askush nuk është aq i përkushtuar ndaj vlerës së brendshme të zhanrit të grafikës arkitektonike si Sergei Tchoban, i cili krijoi muzeun e tij dhe Sergei Kuznetsov, i cili vazhdimisht shkon në ajër të hapur. Së bashku, rezultati është një fenomen heterogjen, por sigurisht unik.
Ne folëm me të katër ekspozuesit e Sallës së Vizatimeve Bashkëkohore.
***
Sergey Choban Archi.ru:
A është vërtet ekspozita më e madhe e vizatimeve arkitektonike të bëra me pjesëmarrjen e fondacionit tuaj për momentin?
Sergey Choban:
- Unë mendoj se po. Si nga numri i punëve të paraqitura, ashtu edhe nga periudha e mbuluar, kjo është shfaqja më e madhe. Këtu janë veprat e autorëve të shquar të Evropës Perëndimore, themeluesit e shkollës së vizatimit arkitektonik të shekullit të 18-të dhe një numër i madh grafikësh nga artistë dhe arkitektë të shquar rusë që punuan në mënyrë aktive në këtë kontekst.
Ekspozitat e grafikës arkitektonike, të organizuara nga fondacioni juaj, tashmë po marrin formë në një sekuencë të caktuar. A ka ndonjë plan të përgjithshëm, një vektor zhvillimi, apo komploti rishpiket çdo herë?
S. CH: Në përgjithësi, çdo herë që shpiket përsëri, megjithëse kemi disa parime. Në veçanti, ne përpiqemi të punojmë me institucione të shquara muzeale. Një nga projektet tona të rradhës do të jetë i përbashkët me Albertinën nga Vjena. Dr. Schroeder [drejtori i Muzeut Albertina në Vjenë - Archi.ru] ishte në sallat e muzeut tonë në Berlin dhe shprehu dëshirën për të bërë një projekt të përbashkët - ne jemi shumë të lumtur për këtë dhe jemi krenarë për këtë propozim. Ka edhe projekte të tjera.
Ka plane për të punuar me Muzeun e Arkitekturës Shchusev, mendoj se kjo është shumë e rëndësishme.
Ju jeni koleksionist, grafik, dizajner, arkitekt - si lidhet kjo me njëra-tjetrën?
S. CH: Më duket se këto janë lidhje të ndryshme të të njëjtit profesion. Në një kontekst historik, arkitektët ishin gjithashtu artistë; ata ishin të angazhuar jo vetëm në ndërtesa kapitale, por edhe në dizajn skenik, shfaqje teatrore.
Deri në shekullin e 20-të, arkitektët nuk kishin fotografi …
S. CH: Mendoj se fotografia nuk ka të njëjtat qëllime si vizatimi arkitektonik. Vizatimi kap pjesën më të rëndësishme të krijimtarisë njerëzore - arkitekturën që krijon një person brenda hapësirës natyrore.
Ndërkohë, Maxim Atayants dhe Mikhail Filippov janë duke bërë arkitekturë klasike, por ju nuk jeni
S. CH: Sigurisht që jo, kjo nuk ka të bëjë drejtpërdrejt me arkitekturën që po bëjmë. Më duket se studimi i arkitekturës duke vizatuar mund të çojë në rezultate krejtësisht të ndryshme: është studimi i përmasave, dhe efekteve hapësinore, dhe pëlhurave dhe detajeve. Jo më kot sot, jo vetëm në rusisht, por edhe në shumë shkolla evropiane, shumë vëmendje i kushtohet përsëri vizatimit, sepse vetëm përmes vizatimit mund të shihni se si kombinohen materialet e strukturave të ndryshme, si pëlhura e detajeve më të vogla derdhet në njëra-tjetrën.
Vizatimet tuaja në ekspozita janë gjithmonë punë shumë të mbaruara, të nxjerra nga natyra. Pse nuk tregon skica?
S. CH: Së pari, tema e kësaj ekspozite është mjaft e përcaktuar, nuk nënkupton asgjë tjetër. Dhe së dyti, vetë vizatimet duhet të kenë një cilësi të pavarur. Skicat nuk e kanë gjithmonë këtë cilësi.
Piktura juaj rritet më shumë nga koleksioni juaj apo nga arkitektura juaj?
S. CH: Unë mendoj se koleksioni u rrit nga vizatimi në fund të fundit. Dhe shumë nga arkitektura që bëj rritet nga vizatimi. Thjesht nuk rritet drejt. Nuk ka diçka të tillë që të vizatoni një ndërtesë të periudhës antike, dhe më pas të dizajnoni diçka të ngjashme. Atëherë ju krijoni diçka tjetër, sepse ligjet e zhvillimit të hapësirës janë të ndryshme.
*** Ne arritëm të bëjmë tre pjesëmarrës të tjerë të ekspozitës të njëjtën pyetje, në këtë rast të rëndësishme: nëse grafika e tyre ndryshon nga ajo historike, dhe nëse po, si.
Maksim Atayants
Si ndryshon grafika juaj nga ato historike të paraqitura këtu në ekspozitë?
M. A.: Grafikët janë kaq të ndryshëm këtu … Kam një ndjenjë që katër ekspozuesit bashkëkohorë ndryshojnë nga njëri-tjetri pothuajse po aq sa nga ata që varen në sallat e tjera të kësaj ekspozite.
Epokat janë të ndryshme. Grafika moderne nuk mund të mos ndikohej nga teprica kolosale vizuale e modernitetit. Gjatë dy viteve të fundit, më shumë fotografi janë bërë në botë sesa në të gjithë historinë e mëparshme që nga daguerotipi i parë. Presioni i tepricës vizuale na detyron të trajtojmë vizatimin ndryshe dhe të nxjerrim diçka nga atje që nuk është, të themi, në fotografi. Unë jam një fotograf mjaft profesionist, prandaj është e rëndësishme për mua të krahasoj këto gjëra. Por kam frikë të reflektoj qëllimisht në këtë temë, sepse detyra e vizatimit dhe fotografisë është e njëjtë … Unë do të doja të shprehja disi gëzimin dhe eksitimin tim në takimin me këto ndërtesa. Ndoshta, Quarenghi zgjidhi të njëjtat probleme. Dhe rezultati është i ndryshëm, sepse epoka është e ndryshme. Si tjetër t'i përgjigjesh kësaj?
Pse jo vetëm fotografoni, por edhe vizatoni?
M. A.: Por kësaj lehtë mund t’i përgjigjem. Për shkak se përfshihen mekanizma të ndryshëm. Vizatimi është një mënyrë e të mësuarit, lloji i vetëm i aktivitetit njerëzor në të cilin truri, syri dhe dora përfshihen njëkohësisht me intensitet të njëjtë. Shtë e pamundur të kalosh një orë me mendime dhe përqendrime duke parë një pjesë të arkitekturës nëse nuk po pikturon. Kjo është një mënyrë e të mësuarit.
Ne bëjmë fotografi që të tjerët t'i ndajnë dhe vizatojmë për veten tonë. Për asimilim. Në rastin tim, të paktën.
A keni pikturuar ndonjëherë nga një fotografi?
M. A.: Sigurisht, si çdo idiot që studionte në Akademinë e Arteve, unë tërhoqa nga fotografia natën, kur, për shembull, nuk kisha kohë për të përfunduar punimin tim të mandatit. Atëherë më dukej se ishte më lehtë. Tani përpiqem të mos e bëj këtë, sepse ky është një imitim i pakuptimtë i procesit. Sipas mendimit tim, qëllimi i vizatimit është të nxjerrësh nga jeta.
Kur vizatoj, duke kuptuar diçka, atëherë ky proces është i thellë. Pse ta thjeshtojmë atë ndërsa përpiqemi të marrim të njëjtin rezultat me çmim të ulët? Ose nga jashtë duken të njëjtat. Në ato raste kur nuk keni pasur kohë për të përfunduar në vend, ndonjëherë, natyrisht, ju vështroni në fotografi … Por kjo është dytësore. Amazingshtë e mahnitshme që tani është shumë më e vështirë dhe më e gjatë për mua të nxjerr nga një fotografi sesa nga natyra. Eshte e vertete.
***
Sergej Kuznetsov
Si ndryshon grafika juaj nga ato historike të paraqitura këtu në ekspozitë?
S. K.: Unë do të thoja me përulësi se nuk mund ta bëjmë atë. Unë jam i kënaqur me punimet e Maxim Atayants, i cili gjeti një burim tek vetja, ishte në gjendje të zhytej dhe të shkonte në një shkallë të ndryshme të detajeve - është e qartë se e vështirë nuk do të thotë mirë, por thjesht nuk do të thotë e keqe - por megjithatë, cilat lartësi arritën mjeshtrat e vjetër, dhe me durim, dhe në punë të palodhur, dhe në sy - kjo është e mahnitshme. Ne duhet të mësojmë … Unë ende i shikoj me zili grafikët e paraqitur këtu; zotërimi i një aftësie të tillë, natyrisht, do të ishte shumë mirë.
A nënkupton vizatimi i arkitekturës klasike përpjekja për të ndërtuar arkitekturën klasike?
S. K.: Jo, nuk do të thotë aspak. Vizatimi i arkitekturës klasike nuk duhet të lidhet me hartimin e arkitekturës klasike, ashtu si leximi i Tre Musketeers nuk do të thotë që ju jeni gati të tundni shpatën nesër.
Si lidhen atëherë arkitektura dhe piktura me ju personalisht?
S. K.: Në këtë kuptim, unë jam një person i shkollës së vjetër, vlerësoj aftësitë themelore, artizanale. Më duket se mënyra se si bëhet arkitektura nuk ka ndryshuar dhe nuk duhet të ndryshojë: një person duhet të kalojë mendime, ndjesi, ndjenja përmes vetes - një kompjuter nuk do të lejojë të shprehë gjithçka. Isha thellësisht dhe seriozisht e dhënë pas grafikës kompjuterike, kisha shumë botime dhe ekspozita, kjo më jep mundësinë të krahasoj punën me duar dhe sy - dhe të punoj me një kompjuter. Kur keni kontrollin e dorës tuaj dhe mund të përshkruani atë që keni në kokë me duart tuaja, kjo ju ndihmon personalisht, dhe gjithashtu funksionon mirë si një mjet bindjeje.
Pse nuk tregon grafikë skica?
S. K.: Në këtë rast, nuk do të ishte e përshtatshme … Ky nuk është një pozicion i vetëdijshëm; do të ketë propozime - ne do të ekspozojmë. Në përgjithësi, kjo nuk është e vërtetë, ne po e ekspozojmë atë - në ekspozitën e "arkitektit të vitit" në Arch Moscow kemi një vizatim skicash. Ne kemi shumë skica me cilësi të mirë. Shkrimet, për mendimin tim, thjesht nuk do të jenë me interes për audiencën. Në përgjithësi, unë do të thoja që interesi i audiencës për çdo vepër është drejtpërdrejt proporcional me sasinë e punës së investuar në të.
Si filluat të vizatoni arkitekturën historike?
S. K.: Kam filluar të vizatoj shumë kohë para se të hyja në kolegj. Prindërit e mi nuk ishin në asnjë mënyrë të lidhur as me artin dhe as me arkitekturën, por unë isha i larguar nga një larmi krijimtarie, prototipi, vizatimi, dhe kështu hyra në kurse përgatitore në Institutin Arkitektonik të Moskës. Që atëherë nuk kam ndaluar së pikturuari; megjithëse pas institutit kishte një pauzë kur unë nuk isha më i angazhuar në manual, por në grafikë kompjuterike.
Më vonë, duke filluar të punoja me Sergei Tchoban, diku rreth vitit 2006, unë i sugjerova që të udhëtonte në qytete të ndryshme, të vizatonte arkitekturë. Që atëherë, ne rregullisht udhëtojmë disa herë në vit për të pikturuar arkitekturën. Udhëtimi ynë i parë në ajër të hapur në Romë ishte, për shembull, në gjurmët e Piranesit.
***
Mikhail Filippov
Si ndryshon grafika juaj nga ato historike të paraqitura këtu në ekspozitë?
M. F.: Nuk mund t’i përgjigjem një pyetjeje të tillë. Mund t'ju tregoj se si grafika arkitektonike ndryshon nga një peizazh arkitektonik. Unë kam qenë anëtar i Unionit të Artistëve për 30 vjet dhe kam ekspozuar si artist në shumë vende, përfshirë Galerinë Tretyakov dhe Muzeun Rus. Për mua, kjo pyetje është absolutisht e qartë. Peizazhi arkitektonik në të cilin u morën paraardhësit tanë është, para së gjithash, vizatim dhe organizim me cilësi të lartë të fletës me një qasje artistike. Fatkeqësisht, shumica e arkitektëve pikturojnë objektin e tyre të preferuar si një perspektivë të vogël, dhe jo si një peizazh.
Në kohën Sovjetike, unë madje kam punuar nën kontratat e Akademisë së Arteve si një piktor i pastër peizazhi. Gjatë perestrojkës, serovitët erdhën në pushtet atje - shumica e tyre janë artistë të mirë, realistë, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Grafika të forta dhe teknike ishin gjithashtu atje.
Pjesa tjetër e grafikës sovjetike u zhvillua në drejtim të organizimit modernist të fletës: për shembull, nëse uji është i lehtë, atëherë shkruhet plotësisht i bardhë, etj. Kur fillova të shkruaj, mendoja më shumë për nuancat, tonet e ndërmjetme; nuancat e natës së bardhë, cilësia e vizatimit, hollësitë e perspektivës … Kjo më bëri mjaft unike në atë kohë, këta njerëz të moshuar më donin shumë. Unë punova nën kontrata, erdha dhe u tregova atyre, ata bënë disa komente - dukej sikur zotërit po më shikonin.
Kështu që nuk ndiej shumë ndryshim me mjeshtrat e vjetër. Nëse ata nuk do të bënin një vizatim teknik, por një peizazh. Afrimi i peizazhit ishte si një artist. Fakulteti arkitektonik i Akademisë së Arteve në një kohë punësoi ata që vizatojnë më mirë, dhe pikturën - ata që tërheqin më keq. Dhe ata dhanë një diplomë me emrin "artist i arkitekturës" - kjo ishte formuluar derisa disa, nuk e mbaj mend saktësisht, një vit. Unë nuk ndiej ndonjë ndryshim me ta, veçanërisht kur bëhet fjalë për vepra nga fillimi i shekullit. Unë u rrita në veprat e Ostroumova-Lebedeva.
Edhe pse për mua është një interes tjetër nuancë - nata e bardhë. Peizazhi rus ishte i nuancuar në shtetet e ndërmjetme. Për shembull, Vasiliev - shkrirja, pa dimër, pa pranverë, pa dritë, pa errësirë, gjysmë toni, një rreze dielli … Ju nuk do të gjeni peizazhe me cilësi të lartë në pikturën botërore, në të cilën do të kishte një blu të ndritshme qielli dhe gjelbërimi i ndritshëm! Ndoshta Rylov mund të ketë diçka të tillë, ose Cezanne, por tashmë është ndryshe.
Rezulton se keni dy tema: peizazhi juaj arkitektonik dhe arkitektura juaj …
M. F.: Jo! Nuk ka asnjë ndryshim. Arkitektura e bukur duhet të shoqërohet me natyrën, me diellin. Unë e njoh dhe e dua shumë mirë historinë e artit. Në vitet 1980, ishte interesante për mua të vazhdoja atë që u shkurtua në të njëzetat, kur piktura disi filloi të shndërrohej në - ndoshta shumë cilësore - por modernizëm.
A mendoni se është e vërtetë të rritemi së bashku?
M. F.: Po, ky është një realitet absolut. Në janar të këtij viti, unë e dorëzova atë - pyjet u hoqën nga 750 mijë metra katrorë të ndërtesave të banimit.
Në Soçi?
M. F.: Jo vetëm në Soçi, në Moskë ka një shtëpi në Rrugën Marshal Rybalko. Unë ju siguroj, ky është mishërimi i stilit të vitit 2001 që unë erdha me tridhjetë vjet më parë.
A e ndjeni këtë si mishërim të pikturës suaj?
M. F.: Po, po … Nuk e shoh ndryshimin.
Besoni apo jo, unë kam mbaruar Akademinë, kam dalë me një koncept dhe pas kësaj kam marrë një furçë dhe akuarel për herë të parë. Unë nuk kam shkruar në Akademi apo në shkollën e artit. Dhe nëse kam shkruar, është e pamundur të shoh se çfarë po bëja atëherë.
*** ekspozita është e hapur deri më 27 korrik (orari i punës)
