E lodhur duke u kuruar nga kritikët, teoricienët dhe njerëz të tjerë gati-arkitektonikë, Bienalja 10 vjet pasi Massimiliano Fuksas përsëri ia besoi vetes në duart e një arkitekti. Kazuyo Sejima është një arkitekt i famshëm japonez, një nga themeluesit e zyrës arkitektonike SANAA, autori i ndërtesave të disa muzeve të mëdha, duke përfshirë Muzeun e Ri në New York, si dhe të Pavilionit të Galerisë Serpentine 2009, fitues i Artë 2004 Lion, i cili mori Çmimin Pritzker menjëherë pas emërimit të saj si kurator i Bienales. Ajo është gjithashtu kuratorja e parë femër në historinë e ekspozitës. Por gjëja kryesore, sipas drejtorit të bienales, Paolo Baratta, është se ajo është një arkitekte praktikuese. Sejima i bën jehonë kësaj në mesazhin e tij kurator, i cili fillon me "Bienalja e 2010 do të jetë një reflektim mbi arkitekturën".
Në ndryshim nga motoja e habitshme 'përtej ndërtimit' të paraardhësit të tij, kuratorit Aaron Betsky në 2008, të cilën gjysma e pjesëmarrësve nuk mund ta kuptonin vërtet, dhe gjysma tjetër e injoroi, këtë vit Kazuyo Sejima propozoi një slogan të thjeshtë dhe të arritshëm: "Njerëzit takohen në arkitekturë "e cila nuk është veçanërisht e detyrueshme. Isshtë e qartë se dy gjëra janë të bashkuara në të - arkitektura, së cilës, me sa duket, Bienalja synon seriozisht t'i kthehet, dhe plus arkitekturës një lloj shënimi delikat sociologjik, për një ndryshim. Në fund të fundit është e pamundur që të absolutizohet plotësisht tema kryesore e ekspozitës; duhet t'i shtohet diçka. Arkitekturë për diçka, por ato po ndërtojnë, për shembull, në mënyrë që njerëzit të takohen atje. Nga këtu është një rrugë e drejtpërdrejtë për në ndërtesat publike që zbukurojnë aq mirë portofolin e kuratorit. Përveç motos, Sejima përshkroi disa kuptime shtesë: fokusi i ekspozitës është reagimi i arkitekturës moderne ndaj ndryshimeve të sjella nga shekulli 21, në informatizimin dhe globalizimin; kufijtë që arkitektura ose i shënon ose i fshin; dhe cilësia e arkitekturës së ndërtuar - shton Paolo Baratta në mesazhin e tij. Kështu, pas një kërkimi të gjatë për të vërtetën "anash", ekspozita kryesore arkitekturore e botës (dhe Bienalja e Venecias, natyrisht, është e tillë) do të kthehet në temën e saj kryesore, e udhëhequr nga dora e një gruaje të butë dhe modest. Ekspozita kuratoriale ka një total prej 48 pjesëmarrësish, përfshirë jo vetëm arkitektë, por edhe firma inxhinierike.
Lidhur me ekspozitën kryesore kuratoriale, e cila në Bienale mbahet gjithmonë në ndërtesën Corderie Arsenal, Sejima deklaroi lirinë e pjesëmarrësve, duke thënë në manifest që secili pjesëmarrës do të jetë "kuratori i tij" brenda fragmentit "të pavarur" të arsenalit brendësia e caktuar për të. Diversiteti është më i mirë se bashkimi i vullnetit, thotë kuratori; me një fjalë, bëj atë që dëshiron … Liria e plotë; megjithëse, duke ecur nëpër ekspozitë, ju e kuptoni se kjo nuk është plotësisht e vërtetë.
Një vizitor që hyn në sallën e parë të pjesës kuratoriale të Bienales përshëndetet nga një zemër gjigande prej guri e prerë nga një sëpatë druri - sëpata, pas një ekzaminimi më të afërt, rezulton të jetë një strehë me një oxhak që ngrihet, një metaforë për tragjedinë të tërmetit të fundit Kilian (një histori e detajuar rreth rimëkëmbjes pas katastrofës mund të gjendet më tej, në hapësirën e ekspozitës së Arsenalit të pavijonit Kilian). Dy vjet më parë, ekspozita e Arsenalit u hap nga një instalim qesharak i filmit dhe videos; në ndryshim nga kujtimi i saj, zemra e gurit është shumë e madhe, e ashpër dhe serioze. Ky është një lloj objekti gjigant, pranë tij ndiheni si në shpellën e një kanibali dhe akordoheni, në mënyrë të pashmangshme, seriozisht. Shtyllat e Arsenalit fillojnë të duken si kolona të një bazilike romane dhe në përgjithësi ngjashmëria e kësaj hapësire të famshme ekspozite me një tempull është përkeqësuar disi. Possibleshtë e mundur që kjo të jetë synuar.
Menjëherë pas sëpatës prej guri është një sallë kompakte kinemaje me një film nga Wim Wenders, i cili mund të përshkohet shpejt për t'u njohur me një temë edhe më të madhe nga Ensamble Studio dhe kreu i saj Anton García-Abril. Duke kaluar nën rreshtat e kolonave dhe duke bllokuar rrugën e drejtë, dy rreze gjigande I pushojnë në hapësirën e sallës, të ngjashme me shinat dhe gjykuar nga ngjyra e tyre gri, me shumë gjasë prej betoni. Një rreze gjigande shtrihet në tjetrën dhe fundi i saj i lirë mbështetet në një burim të gjatë sa një njeri mesatar. Pranvera, natyrisht, nuk mbështet asgjë, fëmijët luajnë me të, por duket shumë mbresëlënëse. Kjo nuk mund të quhet "pranverë"; dhe nëse në sallën e parë shkalla e objektit skulpturor të vendosur atje korrespondonte me madhësinë e brendshme, atëherë kjo duket se është shumë e madhe edhe për një brendshme të arsenalit, e tejkalon dhe madje e shtyp pak.
Nga një rritje e tillë progresive, padashur mendon - Zoti im, çfarë do të ndodhë më pas. Por pastaj e gjejmë veten në një re ("madhësia e jetës" - siç thuhet në manifestin kurator), ndërtuar së bashku nga arkitekti japonez Tetsuo Kondo dhe inxhinier Matthias Schuler nga kompania gjermane Transsolar, i specializuar në inxhinierinë e klimës (duke ditur specifikat e kompanisë, është e lehtë të merret me mend pse re; kontrolli i klimës u fut në Arsenal dhe rregulloi motin e tij në të …). Salla është e mbushur me një mjegull të bardhë, e cila derdhet nëpër vrimat në mur nga instalimet speciale. Mjegulla përhapet në nivelin e galerive, dhe një strukturë spirale është ndërtuar në mes, duke u ngjitur përgjatë së cilës mund të kaloni nëpër re dhe ta shikoni nga lart. Reja përhapet në copa të shtresuara, është e zënë nga lart, si në banjë, por efekti është i mrekullueshëm. Vërtetë, moskovitët përjetuan një efekt të ngjashëm kohët e fundit si në gusht me mbërritjen e tymit në qytet; në Arsenal, megjithatë, kjo re është më e trashë, në dukje e sigurt.
Kuratori interpreton punën e përbashkët të bashkatdhetarit të tij dhe një inxhinieri gjerman si më poshtë: kjo na shtyn drejt një kuptimi të ri të hapësirës, qoftë vetëm sepse kufijtë e resë janë të paqartë. Kufijtë, me të vërtetë, janë të paqartë, megjithëse janë të mbyllura në kornizën e sallës. Zhytja në mjegull është kënaqësi; por është e pamundur të mos kujtojmë se çfarë kanë bërë retë - së pari, arkitektët e famshëm Elizabeth Diller dhe Ricardo Scofidio. Ndoshta kjo është arsyeja pse kuratori shënon me delikatesë në mesazhin e tij: jo të gjitha instalimet janë origjinale për sa i përket stilit, por shumë përfaqësojnë kulmin e teknologjisë moderne.
Studio indiane Mumbai bëri sallën tjetër të madhe me copa të modeleve prej druri dhe vuri tifozët klasikë me tre tehe nga tavani, duke e kthyer atë në një "punëtori" - megjithatë, për një hapësirë kaq të madhe, gjërat ende nuk janë të mjaftueshme, iluzioni i ri i bllokimeve artistike nuk lind; doli, në krahasim me instalimet e para, të vogla, por komode.
R & Sie (n), firma arkitekturore parisiene François Roche dhe Stéphane Laveau, të cilët treguan modele të bardha të ndërtesave të skulpturës bionike në Pavijonin Italian dy vjet më parë, lëshuan një nga krijesat e tyre të çuditshme në dhomën e Arsenalit, duke e kthyer atë në një tryezë në këmbët Nga njëra anë, kjo kafshë marsiane është e mbuluar me rritje qelqi, me shkëlqim me një dritë jeshile, vëzhguesit mbijnë nga skaji i kundërt, në mes mbi një pjesë të disa pseudo-mineraleve me shumë ngjyra, një pajisje e ngjashme me një sinjalistikë Geiger. Në shpjegim, autorët kujtojnë "Stalker" të Tarkovsky dhe flasin për kufijtë e arritjeve të civilizimit - ndoshta, ky instalim duhet t'i përgjigjet tezës së kuratorit për "kufijtë". Sepse, ndryshe nga fqinjët e saj, ajo nuk ndikon në asnjë mënyrë në hapësirë; përkundrazi, kjo na tregon një banor ekzotik që jeton brenda.
Por salla e Olafur Eliasson është shumë e efektshme: në errësirë, tre zorra janë pezulluar nga tavani, të cilat shpërndahen rreth avionëve të dredhur të ujit, të dallueshëm në shkrepjet nervore të dritës stroboskopike. Dushi ekzotik është magjepsës, por është i vështirë për t’u fotografuar. Duhet të them se fjalët e Sejima se shumë imazhe nuk do të jenë të reja janë sinqerisht të vërteta - Eliasson bëri dushin e parë të ngjashëm përsëri në 1996.
Më tej - përsëri dritë, një kornizë druri e një kupole të sheshtë nga një zyrë kineze me emrin francez Amator (që do të thotë amator). Në të vërtetë, ishte sikur amatorët po i përdredhnin këto vdes së bashku me bulona; por vetë aftësia për të kapërcyer kufirin e kupolës ku zakonisht është e pamundur ta kalosh atë dhe fjalë për fjalë "të hysh në kupolë" është mjaft kurioze (përsëri, kufijtë).
Në këtë linjë, ne duhet të shtojmë Sallën e Muzikës Jeanette Cardiff, ku altoparlantët vendosen në një rreth, dhe në qendër ka karrige për të dëgjuar Muzikën (volumetrike? Arkitektonike?) Që rezulton. Dhe kompleti do të jetë i plotë. Këtu janë vetëm një grup i çfarë?
Arkitektura e premtuar në të, në shikim të parë, duket se nuk është e mjaftueshme. Kjo është, faqosjet dhe tabletat tradicionale në një sekuencë të përbashkët, natyrisht, gjenden: më e dukshme për syrin rus është projekti i konkursit të ndërtesës së Muzeut Perm nga Valerio Oljati, më i dukshmi për syrin në përgjithësi është Opera Taichung projekt nga Toyo Ito. Kjo ndërtesë, e cila duket si një fragment i vogël i gdhendur nga një tumë shumë e madhe (Kina në fund të fundit), paraqitet me detaje të përpikta dhe pajiset me dokumentacion të plotë të shtrirë në tavolina në formën e albumeve të trasha në gjuhën e autorit. Por projekti i treguar me kaq hollësi është një përjashtim dhe, ndoshta, pasojë e lirisë së deklaruar nga kuratori. Ekspozita e Arsenalit formohet nga instalime, për më tepër, jo gjithmonë të bëra nga arkitektë, por, siç e shohim, nga inxhinierë dhe, më shpesh, nga artistë që punojnë profesionalisht dhe mirë në këtë zhanër. Për shembull, Olafur Eliasson - në portofolin e tij ka shumë instalime të mira dhe të ndryshme, zakonisht në shkallë të gjerë (ka, nga rruga, disa "re" atje, Tregtari dhe Scofidio nuk janë të vetmit në këtë zhanër). Matthias Schuler është një inxhinier. Kjo është, ekspozita kuratoriale në Arsenal në asnjë mënyrë nuk është bërë një ekspozitë e arkitektëve.
Kjo nuk do të thotë që nuk ka arkitekturë në të. Më duket se, duke qenë autore e hapësirave muzeale, Kazuo Sejima e shndërroi të gjithë ekspozitën në arkitekturë si një e tërë: ajo nuk e projektoi atë si projektuese dhe as nuk e kompozoi atë si një kurator, por e ndërtoi atë, duke kombinuar pjesën më të madhe të instalimet në një zinxhir në të cilin secili pjesëmarrës ofron mënyrën e tij të të kuptuarit artistik të hapësirës së Arsenalit. Kështu, vetë Arsenali u bë ekspozita kryesore. Dhe duhet të them se qëndrimi ndaj kësaj hapësire ekspozite është paradoksal - të gjithë e duan shumë, por duke organizuar ekspozita në të, ata i kushtojnë pak vëmendje, thjesht duke vendosur diçka brenda. Arsenali ndoshta është ofenduar nga një përçmim i tillë, duket i zymtë dhe shtyp publikun me shkallë. Por ai është i mirë në vetvete dhe është mirë që kuratori i ri e vuri re këtë.
Në këtë rast, ekspozita kuratoriale nuk shfaq aq shumë arkitekturë sa është vetë. Dhe kalimi nëpër ekspozitë bëhet jo leximi, jo përsiatja dhe mos shikimi, por - zhytja në arkitekturë (kaq e zhytur në një gjuhë të huaj). Dhe pjesëmarrësit e ekspozitës, artistë dhe inxhinierë "gjoja të lirë", u bënë për Sejima mjeti i të kuptuarit arkitektonik të hapësirës së Arsenalit. E cila, nga rruga, është e vërtetë nëse kujtojmë se arkitektura është arti kryesor, dhe pjesa tjetër dikur iu bind asaj. Këtu është një kurator nga SANAA dhe i nënshtroi të gjithë, por shumë, shumë në mënyrë të paqartë. Ajo nuk e rregulloi ekspozitën në ambientet e brendshme, por e mbushi hapësirën me përmbajtje. Brendësia e Arsenalit, sikur ta kthente me reciproke, u bashkua me rolin e "ekspozitës kryesore" dhe u bë më e këndshme. Në çdo rast, tani unë dua ta shikoj atë dhe kalimi i gjatë nëpër Arsenal këtë herë nuk është aq i lodhshëm sa ishte dy vjet më parë.
Ndoshta kjo është për shkak të faktit se ajo ka shumë boshllëqe dhe jo shumë përmbajtje - një formë e fortë, dhe madje edhe ajo pa peshë, japoneze-shinto: drita, errësira (ndërthurur brenda si yin dhe yang), guri, reja, uji, tingull … Ju ndoshta mund të thoni madje se Sejima organizoi një numër riprodhimesh të instalimeve tashmë të njohura në Arsenal, duke i përdorur ato si një mjet për një arkitekt për të punuar me elemente të pakapshme, për të kapur të pakapshmet, shkëlqimin e dritës, hijen - gjërat në të cilat kultura japoneze është kaq i fortë Vlen të përjetohet ndërsa jeni në Arsenal.
Si një pjesë e tërë dhe një reflektim mbi elementët kryesorë, ekspozita është pritur mirë. Sidoqoftë, fjalët mungojnë pak; ka ato kryesore - të tilla si hapësira dhe kufiri, për të cilat Sejima flet vazhdimisht, përfshirë edhe në konferencën e djeshme për shtyp. Të gjitha fjalët e tjera janë mbledhur në "vende të përcaktuara në mënyrë rigoroze"; Arsenali ka një dhomë intervistash të mbushur me karrige dhe monitorë me kufje - adhuruesit e fjalëve mund të shijojnë fjalimet atje për një kohë shumë të gjatë, lista e folësve zë një mur të tërë.
Me pak fjalë, ekspozita kuratoriale në Arsenal duket se është e drejtë të perceptohet si një vepër tjetër arkitekturore e SANAA.
Përndryshe, struktura e ekspozitës, e njohur për shumë, ka mbetur e pandryshuar. Ekspozitë kuratoriale në Arsenal, në ish "pavijonin e Italisë", riemëruar në Palazzo Espozicione (Pallati i Ekspozitave); ekspozitat e pavioneve kombëtare në Giardini dhe një "program paralel" në qytet. Bienalja aktuale është në një farë mase një jubile - kanë kaluar 35 vjet që nga ekspozita e parë arkitekturore nga cikli i Bienales së Venecias. Prandaj ngjarjet e përvjetorit dhe kujtimet e bienaleve të kaluara. Në Sallën e Kolonave të Palazzo Justinianit (pallati ku ndodhet selia e komitetit organizues të Bienales), u hap dje një ekspozitë mbi historinë e 11 viteve të fundit të Bienaleve të Venecias, një lloj raporti për arritjet e ekonomia e ekspozitës veneciane; ajo gjithashtu pret ekspozitën LUMA, duke prezantuar "programin e arkitekturës për një model të ri kulturor" të Frank Gehry.
Një pjesë tjetër e programit përvjetor të Bienales do të jetë "Të Shtunat Arkitektonike" - siç thotë njoftimi për shtyp i organizatorëve, për tre muaj të Shtunave në Venecia do të ketë takime me figura të rëndësishme të ekspozitave të kaluara, përfshirë kuratorët e Bienaleve të mëparshme Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008)
Ne planifikojmë të botojmë gradualisht raporte më të hollësishme mbi ekspozitat dhe ngjarjet e Bienaleve. Ekspozita do të zgjasë deri më 21 nëntor.
